¿Qué es una banda sonora? ¿Por qué es tan importante acompañar la imagen de música? ¿Qué papel juega en la trama? ¿Por qué se invierte tanto dinero es su elaboración? ¿Cuál ha sido su evolución a lo largo de la Historia?
Todas estas preguntas vamos a tratar de responder en el próximo bloque de contenidos que afrontamos en este curso. Pero empecemos definiendo
qué es una banda sonora, y para ello, acudimos como siempre a la "sinpar" wikipedia
haciendo click aquí.
Publico un artículo
para su lectura a modo de introducción al mundo de las bandas sonoras cinematográficas que trataremos en las próximas sesiones de clase. Poco a poco iremos desgranando el contenido de nuestros trabajo respecto a este tema.
De momento:
TAREA 1: Lectura y resumen por escrito del mismo.
TAREA 2: Crear una lista de reproducción en
youtube con una selección de diez bandas sonoras a vuestra elección, una por cada uno de los periodos que se os refieren en el artículo, es decir, 1908, 1914, años 30, 40, 50, 60, 70, 80, 90 y actualidad
No pretendo con este artículo suplir los estupendos estudios que, acerca del mundo de las bandas sonoras, se pueden encontrar en las librerías, todos ellos realizados por autores especializados en el tema. Mi única intención, y espero haberlo conseguido, es recopilar información para el lector que no sabe mucho de música de cine pero quiere acceder a unos conocimientos mínimos que le ayuden a explorar más profundamente una de las piezas más importantes de cualquier producción cinematográfica de hoy en día.
Para ello, me he guiado a través de libros sencillos (como la Historia de Cine que en su día regaló la revista Dinero) y complejos (la estupenda biografía que A. Scott Berg escribió sobre Goldwyn), además de recurrir, faltaría más, a las tradicionales y abundantes revistas de cine y a las más novedosas webs que, por suerte, proliferan por Internet.
Seguramente muchos de vosotros creíais que la música de cine comenzó con la irrupción del sonoro dentro del mundo del celuloide. Sin embargo, cuando el cine era mudo el propio público pedía acompañamientos musicales a lo que veía, y esto se llevaba a cabo bien a través de una pequeña banda de música que tocaba a la vez que se veía la película, o bien por medio de pianos o gramófonos. No obstante, hay que reconocer que estas músicas no se ponían para acompañar a la acción, sino para paliar, en la medida de lo posible, el ruido que producían las bobinas de las cintas. Poco después es cuando se plantea el escoger los temas musicales en función de lo que se está viendo en la pantalla. Así, empezará a utilizarse la música de los grandes clásicos como Chopin y Beethoven, aunque aún no se crea música específica para el cine. Pasemos ahora a comentar las diversas etapas que podemos encontrar dentro de una Historia de las Bandas Sonoras.
Éste es el año en el que surge, en la práctica, la primera banda sonora original de la Historia del Cine, concebida especialmente para reforzar la expresividad de determinados pasajes de una película. En esta fecha, dos compositores, Camille Saint-Saëns yMihail Ippolitov-Ivanov, crearon varias piezas para las películas El Asesinato del Duque de Guisa y Stenka Razin. Este hecho, más que ser tomado como ejemplo, fue visto como algo original dentro de un mundo que no cesaba de evolucionar. Como se comentó anteriormente, durante el período mudo todas las salas tenían algún tipo de acompañamiento musical, desde un simple piano a una orquesta completa, y la música que se interpretaba eran melodías clásicas conocidas por el público. Con la llegada del sonoro desapareció este acompañamiento en vivo, y comienza a crearse música específica para las películas.
En este año se producen cuatro películas con un fondo musical creado para ellas. La italiana Cabiria cuenta con la participación del músico J. K. Briel, a quien se considera uno de los primeros profesionales en la producción de música específica para el cine. Un año después, son diez las películas con fondo musical, cuatro realizadas por el citado Briel, que realiza la partitura de una emblemática (y controvertida) producción: El Nacimiento de una Nación. Es a partir de estos momentos cuando se generalizan las composiciones de este tipo, contando cada estudio con sus propios compositores, situación que se consolidaría en décadas posteriores.
Se caracterizarían por una mayor profesionalización de la música de cine, con los nombres de Erich Korngold y Max Steiner como mayores representantes de esta época. La música sufría una metamorfosis, pasando de un acompañamiento constante a un empleo más selectivo para subrayar ciertos momentos. Es interesante conocer la opinión de Max Steiner sobre este inicio de la música en el cine (en estos años, él componía la música de dos películas al mes en la RKO), pues decía que "en aquella época, en las películas dramáticas se usaba la música únicamente cuando lo exigía el guión. Entre los productores, directores y músicos dominaba siempre el miedo a que les preguntaran de dónde salía la música. Por eso no ponían nunca música, a menos que pudiera explicarse por la presencia de una orquesta, fonógrafo o radio, que ya estaba especificado en el guión".
Los cineastas se dieron cuenta de la gran fuerza del silencio en las películas habladas. Según Max Steiner, productores y directores "empezaron a añadir un poquito de música aquí y allá para acompañar escenas de amor o secuencias mudas", en la primavera de 1931. Y es que a partir de los años treinta, los grandes estudios tenían departamentos musicales completos, con una plantilla de compositores, adaptadores-arreglistas y directores de orquesta. Al principio, la música se ajustaba a la acción de modo bastante burdo, y se tomaban de los archivos musicales. Esto cambiaría en 1933, con la película King Kong, cuando el citado Max Steiner demostró lo que se podía llegar a hacer con una partitura original totalmente sincronizada con las imágenes.
Durante esta época, Erich Korngold y Max Steiner siguen trabajando, lo que no impide que lleguen nuevas promesas que hacen que el mundo de las bandas sonoras se perfeccione aún más. Y es que entre las décadas de 1930 y 1940, los compositores que empezaron a crear música para películas procedían de distintas áreas de la composición musical. De la comedia musical de Broadway, por ejemplo, llegaban Alfred Newman, Herbert Stothart y Roy Webb. De las salas de conciertos y de la ópera, Erich Wolfgang Korngold, Dimitri Tiomkin, Nino Rota, Miklos Rozsa o Franz Waxman; y Bernard Herrmann o Victor Young procedían de la radio. Diversos compositores de música clásica (Malcolm Arnold, Aaron Copland, etc.) harían también importantes contribuciones en este campo.
Suponen el dominio absoluto de Alfred Newman, pero con un Bernard Herrmann que comenzaría su prestigio por estos años colaborando con otro genio, Orson Welles. Continuaron trabajando con éxito Miklos Rozsa y Dimitri Tiomkin, y surgieron otros importantes autores, algunos de ellos procedentes de la llamada música ligera y del jazz. Entre éstos cabe mencionar a Elmer Bernstein, Georges Delerue, Ernest Gold, Maurice Jarre, Henry Mancini, Alex North y Lalo Schifrin; mientras, otros compositores como John Barry, Jerry Goldsmith y John Williams esperaban una oportunidad, algunos de ellos haciendo música para la televisión, considerada por entonces una amenaza para la industria del cine.
A mediados de la década de 1950, el gran público comenzó a tomar más en cuenta la música de las películas, cambio de actitud que los estudios rentabilizaron animando a sus compositores a escribir temas vendibles, melodías y canciones que pudieran editarse en disco. Por ejemplo, la canción «Moon River», deJohnny Mercer y Henry Mancini para Desayuno con Diamantes(1961), de Blake Edwards, vendió más de un millón de copias. A todo ello contribuiría, por supuesto, la mejora técnica de los sistemas de grabación sonora, lo que se haría evidente en los grandes filmes épicos de los cincuenta y sesenta.
Es la época de la renovación, con nuevas figuras ahora internacionalmente reconocidas, como Henry Mancini, John Barry, Ennio Morricone y Maurice Jarre. No obstante, las viejas figuras aún continuaron trabajando. Así, Alfred Newman siguió componiendo durante toda la década de los 60, aunque a un ritmo más lento, y Bernard Herrmann compuso algunas de sus mejores obras. Por su parte, el ya conocido Elmer Bernstein renovaría también la música del western, acaparando una atención que, hasta el momento, tenía Tiomkin.
Es ésta una época de crisis que sólo es resuelta con la llegada de John Williams y sus revolucionarias orquestaciones. Y es que durante esta década se obvia bastante lo que es una banda sonora instrumental, y ello a favor de múltiples canciones que colapsan una música que muchos no creen necesaria, ya que venden más (todo es cuestión de dinero) los intérpretes populares con canciones que nada tienen que ver con la película, que los compositores consagrados. De este modo, además, los estudios consiguen reducir gastos al ahorrarse a un compositor que haga la música (en esa época era una partida muy cara dentro del presupuesto de una película).
Llega la revolución con el empleo masivo del sintetizador que, si bien ya había comenzado a utilizarse años atrás, en esta década tiene sus mejores ejemplos en autores como Vangelis, Maurice Jarre y Ryuchi Sakamoto. No obstante, la música de orquesta continuó en alza, con John Williams y Jerry Goldsmith a la cabeza de la misma, pero con la aparición de nuevas figuras como James Horner, Hans Zimmer, James Newton Howard y Alan Silvestri.
A principios de esta década se produceuna recuperación de las canciones no compuestas exclusivamente para una película, en una descarada carrera comercial que no sólo sirva de promoción para la cinta, sino también valga para que en la hucha de la productora entre el mayor número de dólares posible. El punto de partida para algunos lo pone Prince con Batman (aunque algunas de las canciones sí estaban expresamente compuestas para la película), aunque yo creo que la música de Danny Elfman se hizo tan popular como las canciones del ahora innombrable. En mi opinión, la verdadera película que se benefició de esta política fue Cuatro Bodas y un Funeral, una discretita producción cinematográfica de la que no se cesaba de hablar en la radio debido a la magnífica recopilación de canciones que se podía encontrar en su metraje.
No obstante, la música original compuesta para una película no decae; al contrario, tras el anuncio del retiro de Williams (por suerte, al final se confirmó que continuaba trabajando), otros autores fueron apareciendo en este apasionante mundo musical, que junto a los tradicionales, compusieron verdaderas maravillas. El resumen de los mismos se centra en dos compositores: Mark Mancina, como representante de los que utilizan los sintetizadores, y David Arnold, cuyas partituras son tremendamente sinfónicas, siendo muy destacables el tema central de Stargate y la llegada de las naves extraterrestres en Independence Day. Son autores que, sin duda, en los próximos años serán tenidos muy en cuenta.
No obstante, no corresponde aquí enumerar a todos los compositores que hoy en día son considerados importantes en el mundo de la música de cine, pero os remito a Music from the Movies para saber al menos cuáles son los más importantes según la crítica. Tampoco quisiera olvidarme de los compositores españoles. Al ya conocido José Nieto, encontramos nuevos nombres como los de Bernardo Bonezzi,Bingen Mendizábal o Alberto Iglesias, que hacen posible que pensemos en la verdadera creación de música para cine en el mercado español. Últimamente, autores como Roque Baños oÁngel Illarramendi están trabajando muchísimo y con obras de gran calidad. Sin embargo, los compositores de nuestro país tienen graves problemas y limitaciones a la hora de componer bandas sonoras. Así, los productores de un filme lo que hacen es tomar el sobrante de la realización de una película y dárselo a un compositor para que con ese dinero cree la banda sonora, incluida la grabación de la misma.
En definitiva, hoy en día nadie puede concebir una película sin una banda sonora, sin una música que acompañe y se adapte a las imágenes que estamos viendo. Y aunque algunos directores de cine casi despreciaron este elemento cinematográfico ("No me gusta la música de las películas. Detesto ver a un hombre en el desierto muriéndose de sed con la orquesta de Filadelfia detrás de él", comentó John Ford), muchos otros no dudaron en utilizarlo (incluido el propio Ford) para dotar de una mayor calidad a sus producciones.
